Von globalen Bühnen bis hin zu zutiefst persönlichen Klangreisen hat unser allererster Featured Artist ein Leben geführt, das von Musik, Reisen und Neuerfindung geprägt ist.
Nick Able wuchs in Newcastle auf und träumte von Gitarren und fernen Bühnen – Träume, die ihn schließlich dazu führten, in Indien zu studieren, international aufzutreten und vielfältige Bereiche der Musikwelt zu erkunden – von Klassik über Elektronik bis hin zu meditativen Klanglandschaften.
Nun, nach mehr als zwanzig Jahren kreativer Entdeckungsreise, formt Nick eine neue künstlerische Identität, die in Verbundenheit, Wohlbefinden und dem heilenden Potenzial von Klang verwurzelt ist.
In diesem Interview spricht er offen über seinen bisherigen Weg, die Menschen, die ihn geprägt haben, und die spannenden Projekte, die er als Nächstes zum Leben erweckt.
Du wurdest als Teenager von Sting und Mark Knopfler für dein musikalisches Talent gelobt. Wie hat dieser Moment dein Selbstvertrauen und deinen Karriereweg geprägt?
Ich war vollkommen von Musik eingenommen; ich kannte eigentlich nichts anderes, und für mich war das normal. Ich hatte Kassetten mit meinem Spiel verschickt, um Geld für den Besuch des Berklee College of Music in Boston, USA, aufzutreiben, und zwei der Personen, an die ich sie geschickt hatte, waren Sting und Mark Knopfler, da sie beide Musiker aus meiner Heimat Newcastle waren. Als ich von jedem von ihnen eine schriftliche Antwort per Post bekam, war das unglaublich, und als ich dann ihre Rückmeldungen und ihr Lob für mein Spiel las, war das großartig — aber ich war so auf die Musik und meinen Weg fokussiert, dass ich damals eigentlich nicht allzu viel darüber nachdachte. Ich habe diese Briefe aufgehoben und besitze sie bis heute, und wenn ich jetzt zurückblicke, muss es wohl ein wichtiger Teil dabei gewesen sein, mir zu bestätigen, dass ich meine Zeit und meine Mühe in der Musik nicht verschwendete. Aber ja, ich habe wirklich kaum darüber nachgegrübelt, weil ich so besessen vom Üben und Lernen war, was zu 100 % mein Fokus war und meinen Kopf 24/7 ausgefüllt hat.
Was hat Sie ursprünglich zum Sitar-Spiel hingezogen, und was ist die tiefgründigste Lektion, die Sie während Ihres Jahrzehnts der Ausbildung bei Pandit Ravi Shankar gelernt haben?
Ein Freund von mir, der Bass in einer lokalen Band spielte, hatte eine Sitar und einige Ravi-Shankar-CDs, und das war das erste Mal, dass ich diesem Musikgenre wirklich ausgesetzt war. Ich hatte mir ein paar CDs ausgeliehen und begann, indische klassische Musik zu hören, die ich durch John McLaughlin und Shakti gewissermaßen schon gehört hatte. Ich erinnere mich, wie ich die Sitar meines Freundes in seinem Schlafzimmer spielte und ein paar Töne darauf hervorbringen konnte, und ich war völlig überwältigt von diesem erstaunlichen Instrument. Ich fühlte mich in der Musik immer zu den großen Meistern hingezogen, und von diesem Zeitpunkt an begann ich, über indische klassische Musik und den großen Maestro Ravi Shankar zu lesen, zuzuhören und zu lernen.
Es gibt wirklich keine eine tiefgreifende Lektion, die ich herausgreifen könnte. Wenn man sich in der Gegenwart eines berühmten Musikers und Künstlers auf diesem Niveau befindet, ist alles eine Lektion. Solange man aufmerksam genug ist, erkennt man in allem Lektionen — und ganz ehrlich, alle sind tiefgreifend. So ist es wirklich.
Sie sind in legendären Veranstaltungsorten vom Carnegie Hall bis zur Royal Albert Hall aufgetreten. Welche Aufführung hat bei Ihnen persönlich den größten Eindruck hinterlassen?
Jedes einzelne Konzert, bei dem ich meinen großartigen Lehrer begleiten durfte, war eine Erfahrung auf einer anderen Ebene, die ich nicht in Worte fassen kann. Aber das Konzert, das für mich am meisten heraussticht, war die erste vollständige Aufführung des Albums Passages von Ravi Shankar und Philip Glass in der Philharmonie de Paris. Passages war auch die erste CD von Ravi Shankar, die ich je gekauft habe, und ich hatte sie in meinen Teenagerjahren so oft gehört. Es war sicherlich einer dieser surrealen Momente im Leben, und dieses Konzert hat uns alle in Staunen versetzt. Es war wirklich eines der unglaublichsten Dinge, die ich je miterleben und an denen ich teilhaben durfte. Für manche Ereignisse im Leben gibt es keine Worte, und das war definitiv eines davon.
Video
Ihre Arbeit umfasst Fernsehen, Videospiele, Multimedia und Film. Worin unterscheidet sich das Komponieren für diese Medien vom Live-Auftritt auf der Bühne?
Fünfundneunzig Prozent meiner Auftritte bestanden darin, meinen Guru oder Anoushka zu begleiten, also eher im Hintergrund zu sein, und alles ist so gut organisiert und durchdacht, dass es, sobald man den Dreh raus hat, ziemlich unkompliziert ist — man befolgt die Regeln und tut, was erforderlich ist. Zu Hause vor einem leeren Bildschirm in Logic oder Ableton zu arbeiten, ist so anders; es ist ziemlich beängstigend, weil man allein in einem Raum sitzt, vor einem Computer. Es ist niemand da, der einen anleitet, man ist völlig ungeschützt, und man muss alles selbst abliefern. Es gibt keinen Ort, an dem man sich verstecken kann, und das Ergebnis liegt zu 100 % bei einem selbst!
Du hast traditionelle Sitar, Electronica und moderne Komposition miteinander verbunden – und auf Tour sogar den Spitznamen „Nick Able-ton“ bekommen. Wie gehst du daran, diese Welten in deiner Musik zu verbinden?
Ich gehe nach dem, was ich fühle und höre, und denke nicht wirklich über Genres oder dies oder das nach. Theoretisch weiß ich, welche Tonleiter oder welcher Modus einen bestimmten Klang ergibt, und genauso ist es mit Akkorden und Harmonie, aber ich beschäftige mich nicht allzu sehr damit. Wenn ich mich einmal für etwas entschieden habe, bleibt es meist festgelegt, was aus meiner Ausbildung in indischer klassischer Musik und den Raga-Formen kommt. Von da an konzentriere ich mich darauf, wie ich in der Musik darstellen kann, was ich möchte. Ich spiele einfach das, was ich fühle, und gehe nach dem, was ich höre.
Wenn ich eine Idee im Kopf habe, ist es meist ein bestimmtes Gefühl, das ich von der Musik bekomme, und das bestimmt, wohin ich damit gehe. Ich suche danach, wie sich das Stück anfühlen wird — in Bezug auf Emotionen, Klänge und darauf, wie es mich ebenso wie die Zuhörenden fühlen lassen wird. Das kann also alles sein, was ich in meiner musikalischen Palette, meinem Setup, meinem Equipment, meinen Effekten und Instrumenten habe, und sie alle wirken auf unterschiedliche Weise zusammen.
Sie hatten die Gelegenheit, einige Instrumente von Kompose Audio auszuprobieren. Wie inspirieren oder unterstützen sie Ihren kreativen Prozess?
Ich bin ein riesiger Fan von langformatiger Ambient- und sich entwickelnder meditativer Musik. Ich verbringe Stunden damit, sie zu hören, und wollte anfangen, solche Musik zu erschaffen, über die ich improvisieren kann. Als ich vor ein paar Jahren wieder in die Musikproduktion eingestiegen bin, hatte sich seit meiner letzten intensiven Beschäftigung damit wirklich sehr viel verändert — und das war mehr als 10 Jahre her! Für den Anfang wollte ich etwas, in das ich direkt eintauchen, das ich nutzen und mit dem ich relativ schnell etwas auf die Beine stellen konnte.
Ich hatte bereits Aufträge — Veranstaltungen für Meditation und Sound-Bath-artige Sessions, aber mit melodischer Instrumentierung darüber gespielt. Es gab so viel, das ich erneut lernen musste, und so viele neue Werkzeuge in den Programmen, die ich jahrelang benutzt hatte, Logic und Ableton. Also hatte ich eine gewisse Lernkurve und eine Deadline, bis zu der ein 90-minütiges Set fertig sein musste.
Ich habe mich für Kompose Audio entschieden, weil eure Instrumente absolut unglaublich klingen, benutzerfreundlich und einfach zu bedienen sind, aber trotzdem viel Raum für Feinabstimmung bieten — ohne eine Benutzeroberfläche, für deren Verständnis man einen Monat braucht. Auch die ewigen, sich entwickelnden Texturen haben mich sehr angesprochen, weil ich keine einfachen Loops erstellen wollte; ich wollte, dass sich die Musik entwickelt, atmet und sich überhaupt nicht wiederholt.
Und schließlich sollte die Musik, die ich für die geplanten Sound-Bath-Veranstaltungen schrieb, komplett in einer bestimmten Frequenz sein, und die erste war in 432 Hz. Die Tatsache, dass einige eurer Instrumente bereits darauf gestimmt sind und ich mich nicht mit manuellem Umstimmen in Ableton beschäftigen musste, hat euch bei den unzähligen virtuellen Instrumenten da draußen sofort ganz nach oben auf die Liste gebracht. Ich habe sie im letzten Jahr fast ausschließlich für meine Arbeit verwendet.
Having worked in online music education for over a decade, where do you see the future of digital music learning heading?
Alles wird ins Metaverse gehen. Ich hatte das Glück, vor ein paar Jahren in London ein großartiges Team zu treffen, das in Großbritannien sehr weit oben an der Entwicklung des Metaverse beteiligt ist. Ich denke, dass sich in den kommenden Jahren alles weiterentwickeln und auf diese Art von Plattform verlagern wird, wenn die Technologie der breiten Öffentlichkeit zunehmend zugänglich wird.
Nach Jahren der Meditation und intensiver Frequenzarbeit bringst du nun Klangheilung in deine Musik ein. Wie beeinflusst das die Art von Musik, die du jetzt machen möchtest?
Das war in den letzten 4–5 Jahren der wichtigste Einfluss in meinem Leben. Ich war einige Jahre lang an einem sehr dunklen Ort, und das, was mir am meisten geholfen hat, da wieder herauszukommen, war Frequenzmusik, die ich in meiner Verzweiflung entdeckte, als ich nach Wegen suchte, mich selbst zu heilen und Frieden zu finden. Sie hat mein Leben auf die tiefgreifendste Weise wirklich verändert und wurde sehr schnell zu einem täglichen Ritual für mich.
Ich war von dieser Musik und ihrer Wirkung auf mich so inspiriert, dass sie mich dazu brachte, Klangbäder, Kristallalchemie und tibetische Klangschalen, Gongs und Klangheilung zu entdecken. Ich fuhr auf Retreats, nahm regelmäßig an Klangbädern teil, und ich begann, Melodien in meinem Kopf über die Klänge zu hören, die ich hörte. Daraus entwickelte sich der Wunsch, diese Musik selbst zu erschaffen — aber nicht mit Schalen und Gongs, sondern mit meinen eigenen Instrumenten, Synthese, Musikproduktion und immersivem Audio. Und genau das habe ich dann auch getan.
Ich mache das jetzt seit zwei Jahren, aber in den letzten 12 Monaten habe ich es wirklich weiterentwickelt, nachdem ich mehrere Auftritte in einem lokalen Yogastudio und an anderen auf Wellness ausgerichteten Orten hatte. Ich liebe es — es hat meine Leidenschaft für Musik und das Kreieren wirklich neu entfacht — und es knüpft sogar an die Jahre an, die ich mit meinem Guru verbracht habe. Er stimmte seine Sitar tatsächlich auf 438 Hz statt auf 440 Hz, und ich habe nie wirklich verstanden, warum. Die Entdeckung von Frequenzmusik hat mir das alles wirklich nähergebracht, und sie wurde zu einer wunderbaren Verbindung zu dem, was ich mit indischer klassischer Musik schon so viele Jahre lang gemacht hatte, nur auf eine völlig neue Weise. Es hat mein Leben und die Art, wie ich über Musik denke und sie höre, vollkommen verändert.
Wenn du mit irgendeinem Künstler – ob aus der Vergangenheit oder der Gegenwart – zusammenarbeiten könntest, wer wäre das und welche Art von Musik würdest du dir vorstellen, gemeinsam zu schaffen?
Es gibt so viele Künstler, die ich liebe und mit denen ich mir eine Zusammenarbeit vorstellen könnte, aber ich nehme an, es müsste zu dem passen, was ich mache. So sehr ich auch unbedingt Steve Vai oder Pat Metheny sagen möchte, die zu meinen größten Einflüssen gehören, glaube ich nicht, dass es passen würde — also sage ich Jon Hopkins. Seine Musik hat einen riesigen Einfluss auf mich, und ich liebe seine Arbeit einfach. Ich ertappe mich oft dabei, wie ich sie höre und dabei Melodien in meinem Kopf entstehen, die ich mit meiner Sitar oder Gitarre hinzufügen könnte.
Auch der immersive 360-Audio-Sound, den er erschafft, spricht mich an, da ich dieses Format für einen großen Teil meiner eigenen Arbeit nutze. Ich liebe es, meine Klänge im Raum zu verteilen und Dinge aus verschiedenen Teilen des Zimmers kommen zu lassen. Jon ist in seinem Handwerk so weit entwickelt, und ich verliere mich vollkommen in seiner Musik. Ich würde sehr gern in dieser Welt spielen und meinen Sound in das integrieren, was er macht.
Looking ahead to your first solo album in 2026, what can listeners expect, and how does it reflect the next chapter in your musical evolution?
Das Konzept ist, wirklich ein Soloalbum zu machen — nur ich selbst. Die Musik, die ich in den letzten 12 Monaten bei Klangbad-Events geschrieben und aufgeführt habe, hat sich so sehr entwickelt, dass ich sie aufnehmen und veröffentlichen möchte. Der Plan ist, eine Aufnahme im „Live-Lounge“-Stil zu machen, komplett live im Studio. Keine Bearbeitungen, nichts — einfach eine echte Live-Performance von Musik, die vollständig spontan vor Ort geschrieben und geschaffen wird.
Es hat vier Hauptabschnitte oder Sätze, jeder mit eigenen Motiven, Themen, Instrumentierungen und viel Improvisation. Ich freue mich wirklich darauf, es fertigzustellen und zu veröffentlichen. Es schöpft aus indischer Klassik, nahöstlicher Musik, Ambient-Elektronik, frequenzbasierter Musik, Jazz und Fusion-Improvisation und nimmt die Zuhörer mit auf eine Reise durch Klang und den Äther.
Nick’s Geschichte erinnert uns daran, was möglich wird, wenn Hingabe auf Vorstellungskraft trifft — wenn Musik über die Aufführung hinausgeht und zu einem Raum für Verbindung, Heilung und Entdeckung wird. Sein Weg hat ihn durch Traditionen, Innovationen und tief persönliche Wandlungen geführt, immer mit der Bereitschaft, sich weiterzuentwickeln und neue Klangwelten zu erkunden.
Sein Weg entfaltet sich noch immer, und wir fühlen uns geehrt, einen Teil davon teilen zu dürfen — und sind gespannt, wohin ihn sein nächstes Kapitel führt.