Dai palchi internazionali ai viaggi sonori più intimi e personali, il nostro primissimo Artista in Evidenza ha vissuto una vita immersa nella musica, nei viaggi e nella reinvenzione.
Nick Able è cresciuto a Newcastle sognando chitarre e palchi lontani, sogni che alla fine lo avrebbero portato a studiare in India, a esibirsi a livello internazionale e a esplorare i diversi angoli del mondo della musica, dalla classica all’elettronica fino ai paesaggi sonori meditativi.
Ora, dopo più di vent’anni di esplorazione creativa, Nick sta plasmando una nuova identità artistica fondata sulla connessione, il benessere e il potenziale curativo del suono.
In questa intervista, parla apertamente del suo percorso fino a oggi, delle persone che lo hanno formato e degli entusiasmanti progetti a cui sta dando vita.
Sei stato elogiato per il tuo talento musicale da adolescente da Sting e Mark Knopfler. In che modo quel momento ha influenzato la tua sicurezza e il tuo percorso di carriera?
Ero totalmente preso dalla musica; non conoscevo davvero nient’altro, e per me era normale. Avevo inviato delle cassette con le mie esecuzioni nel tentativo di raccogliere fondi per frequentare il Berklee College of Music di Boston, USA, e due delle persone a cui le avevo mandate erano Sting e Mark Knopfler, dato che entrambi erano musicisti locali della mia città natale, Newcastle. Quando ricevetti per posta una risposta scritta da ciascuno di loro, fu incredibile, e poi, quando lessi le loro risposte e i loro apprezzamenti per il mio modo di suonare, fu fantastico — ma ero così concentrato sulla musica e sul mio percorso che in quel momento non ci pensai davvero troppo. Conservai quelle lettere e le ho ancora oggi, e suppongo che, col senno di poi, il fatto che sia successo abbia sicuramente avuto un ruolo importante nel confermarmi che non stavo sprecando il mio tempo e i miei sforzi nella musica. Ma sì, non ci riflettei poi molto, perché ero così ossessionato dalla pratica e dall’apprendimento, che erano il 100% del mio focus e ciò che occupava la mia mente 24/7.
Cosa ti ha inizialmente attratto del sitar, e qual è la lezione più profonda che hai imparato durante il tuo decennio di formazione sotto la guida di Pandit Ravi Shankar?
Un mio amico che suonava il basso in una band locale aveva un sitar e alcuni CD di Ravi Shankar, e quella fu la prima volta che entrai davvero in contatto con quel genere musicale. Gli avevo prestato alcuni CD e iniziai ad ascoltare musica classica indiana, che in un certo senso stavo già ascoltando attraverso John McLaughlin e gli Shakti. Ricordo di aver suonato il sitar del mio amico nella sua camera da letto e di essere riuscito a tirarne fuori qualche nota, e rimasi completamente affascinato da questo strumento straordinario. Sono sempre stato attratto dai grandi maestri della musica, e da quel momento iniziai a leggere, ascoltare e imparare sulla musica classica indiana e sul grande Maestro Ravi Shankar.
In realtà non c’è una sola lezione profonda che potrei individuare. Quando ti trovi in presenza di un musicista e artista rinomato a quel livello, tutto è una lezione. Se sei abbastanza osservatore, vedrai lezioni in ogni cosa — e, molto sinceramente, sono tutte profonde. È proprio così.
Ti sei esibito in venue leggendarie dalla Carnegie Hall alla Royal Albert Hall. Quale esibizione ti ha lasciato il segno più profondo a livello personale?
Ogni singolo concerto in cui ho accompagnato il mio grande maestro è stata un’esperienza di un altro livello, che non riesco a descrivere a parole. Ma il concerto che più di tutti mi è rimasto impresso è stata la prima esecuzione integrale dell’album Passages di Ravi Shankar e Philip Glass alla Philharmonie de Paris. Passages è stato anche il primo CD di Ravi Shankar che abbia mai acquistato, e lo avevo ascoltato così tante volte durante l’adolescenza. È stato senza dubbio uno di quei momenti surreali della vita, e questo concerto ci ha lasciati tutti pieni di meraviglia. È stato davvero qualcosa di straordinario da vedere e di cui far parte. Per alcuni eventi della vita non esistono parole, e questo è stato sicuramente uno di quelli.
Video
Il tuo lavoro spazia tra TV, videogiochi, multimedia e cinema. In che modo comporre per questi mezzi differisce dal suonare dal vivo sul palco?
Il novantacinque percento delle esibizioni che ho fatto è stato accompagnando il mio Guru o Anoushka, quindi molto sullo sfondo, e tutto è così ben organizzato e strutturato che, una volta che sai come funziona, è piuttosto semplice: segui le regole e fai ciò che è richiesto. Lavorare a casa davanti a uno schermo vuoto in Logic o Ableton è completamente diverso; fa piuttosto paura, perché sei da solo in una stanza, seduto davanti a un computer. Non c’è nessun altro lì a guidarti, sei totalmente esposto e devi realizzare tutto da solo. Non c’è nessun posto dove nascondersi, e il risultato dipende al 100% da te!
Hai unito sitar tradizionale, elettronica e composizione moderna, guadagnandoti persino il soprannome “Nick Able-ton” in tour. Come affronti la fusione di questi mondi nella tua musica?
Seguo ciò che sento e ascolto, e non penso davvero ai generi o a questo o quello. In teoria, so quale scala o modo darà un certo suono, e lo stesso vale per gli accordi e l’armonia, ma non mi soffermo troppo su questo. Una volta che ho scelto qualcosa, tende a rimanere fisso, e questo deriva dalla mia formazione nella musica classica indiana e nelle forme del raga. Da lì, mi concentro su come posso esprimere nella musica ciò che voglio. Suono semplicemente ciò che sento e seguo ciò che ascolto.
Se ho un’idea in mente, di solito è una sensazione particolare che ricavo dalla musica, ed è questo a determinare dove andrò con essa. Cerco di capire che cosa farà provare il brano — in termini di emozioni, suoni e di come farà sentire me così come l’ascoltatore. Quindi potrebbe essere qualsiasi cosa faccia parte della mia tavolozza musicale, del mio setup, della mia attrezzatura, dei miei effetti e dei miei strumenti, e tutti lavorano insieme in modi diversi.
Hai avuto modo di provare alcuni strumenti di Kompose Audio. In che modo ispirano o supportano il tuo processo creativo?
Sono un grandissimo fan della musica ambient di lunga durata e della musica meditativa in evoluzione. Passo ore ad ascoltarla e volevo iniziare a creare musica di questo tipo su cui improvvisare. Quando sono tornato alla produzione musicale un paio di anni fa, le cose erano davvero cambiate molto rispetto all’ultima volta che me ne ero occupato — e si parla di più di 10 anni fa! Per iniziare, volevo qualcosa in cui potermi immergere, usare e con cui riuscire a mettere in moto qualcosa abbastanza rapidamente.
Avevo già degli impegni di lavoro fissati — eventi per meditazione e sessioni tipo sound bath, ma con strumentazione melodica suonata sopra. C’era tantissimo da reimparare e moltissimi nuovi strumenti nei programmi che usavo da anni, Logic e Ableton. Quindi ho dovuto affrontare una certa curva di apprendimento e una scadenza entro cui avere pronto un set di 90 minuti.
Ho scelto Kompose Audio perché i vostri strumenti suonano in modo assolutamente incredibile, sono intuitivi e facili da usare, ma offrono comunque ampio margine di personalizzazione — senza un’interfaccia utente che richieda un mese per essere capita. Anche le texture eterne e in continua evoluzione erano ciò che mi affascinava davvero, perché non volevo creare semplici loop; volevo che la musica evolvesse, respirasse e non si ripetesse affatto.
Infine, la musica che stavo scrivendo per i sound bath programmati sarebbe stata tutta in una particolare frequenza, e il primo era in 432 Hz. Il fatto che alcuni dei vostri strumenti siano già accordati così, e che non dovessi addentrarmi nella riaccordatura manuale dentro Ableton, vi ha fatto balzare subito in cima alla lista tra i tantissimi strumenti virtuali disponibili. Nell’ultimo anno li ho usati quasi esclusivamente per il mio lavoro.
Having worked in online music education for over a decade, where do you see the future of digital music learning heading?
Tutto confluirà nel Metaverso. Ho avuto la fortuna di incontrare qualche anno fa a Londra un team straordinario che occupa una posizione di primo piano nello sviluppo del Metaverso nel Regno Unito. Credo che nei prossimi anni tutto evolverà e si trasferirà su questo tipo di piattaforma, man mano che la tecnologia diventerà più ampiamente accessibile al grande pubblico.
Dopo anni di meditazione e di lavoro sulle frequenze profonde, ora porti la guarigione sonora nella tua musica. In che modo questo influenza il tipo di musica che vuoi fare adesso?
Questa è stata l’influenza numero uno nella mia vita negli ultimi 4–5 anni. Per alcuni anni mi sono trovata in un periodo davvero buio, e la cosa principale che mi ha davvero aiutata a uscirne è stata la musica a frequenze, che ho scoperto per disperazione mentre cercavo modi per guarire me stessa e trovare pace. Ha davvero cambiato la mia vita nel modo più profondo e molto rapidamente è diventata un rituale quotidiano per me.
Sono rimasta così ispirata da questa musica e dal suo impatto su di me che questo mi ha portata a scoprire i bagni sonori, l’alchimia dei cristalli e le campane tibetane, i gong e la guarigione sonora. Ho partecipato a ritiri, ho preso parte regolarmente a bagni sonori e ho iniziato a sentire melodie nella mia mente sopra i suoni che stavo ascoltando. Questo si è trasformato nel desiderio di creare io stessa questa musica — ma non con campane e gong; piuttosto, con i miei strumenti, la sintesi, la produzione musicale e l’audio immersivo. Ed è esattamente quello che ho fatto.
Lo faccio da due anni ormai, ma l’ho davvero sviluppato negli ultimi 12 mesi, dopo aver tenuto diverse performance in uno studio di yoga locale e in altri spazi dedicati al benessere. Mi sta piacendo moltissimo farlo — ha davvero riacceso la mia passione per la musica e per la creazione — e si ricollega persino agli anni trascorsi con il mio Guru. In realtà lui accordava il suo sitar a 438 Hz, non a 440 Hz, e non ho mai davvero capito il perché. Scoprire la musica a frequenze mi ha davvero insegnato tutto questo, ed è diventato uno straordinario collegamento con ciò che avevo già fatto per così tanti anni con la musica classica indiana, solo in un modo completamente nuovo. Ha cambiato completamente la mia vita e il mio modo di pensare e ascoltare la musica.
Se potessi collaborare con qualsiasi artista, passato o presente, chi sarebbe e che tipo di musica immagineresti di creare insieme?
Ci sono così tanti artisti che amo con cui potrei immaginare di collaborare, ma suppongo che dovrebbe essere in sintonia con quello che faccio. Per quanto mi venga davvero da dire Steve Vai o Pat Metheny, che sono due delle mie più grandi influenze, non credo che si adatterebbe — quindi dirò Jon Hopkins. La sua musica ha un'enorme influenza su di me e adoro davvero il suo lavoro. Mi capita spesso di ascoltarla e di sentire nella mia testa melodie che potrei aggiungere con il mio sitar o la mia chitarra.
Anche l'audio immersivo a 360 che crea mi affascina, dato che uso questo formato per gran parte del mio lavoro. Mi piace far muovere i miei suoni nello spazio e far arrivare elementi da diverse parti della stanza. Jon è così evoluto nel suo mestiere, e mi perdo completamente nella sua musica. Mi piacerebbe molto suonare all'interno di quel mondo e integrare il mio suono in ciò che fa.
Guardando al tuo primo album da solista nel 2026, cosa possono aspettarsi gli ascoltatori e in che modo riflette il prossimo capitolo della tua evoluzione musicale?
Il concetto è realizzare davvero un album solista — solo io. La musica che ho scritto ed eseguito negli ultimi 12 mesi durante eventi di sound bath si è sviluppata così tanto che voglio registrarla e pubblicarla. Il piano è fare una registrazione in stile “live lounge”, tutta eseguita dal vivo in studio. Nessun editing, niente — solo una vera performance dal vivo di musica scritta e creata completamente in modo spontaneo sul momento.
Ha quattro sezioni o movimenti principali, ognuno con i propri motivi, temi, strumentazione e molta improvvisazione. Sono davvero entusiasta di portarlo a termine e pubblicarlo. Attinge alla musica classica indiana, mediorientale, elettronica ambient, musica basata sulle frequenze, jazz e improvvisazione fusion, accompagnando gli ascoltatori in un viaggio attraverso il suono e l’etere.
La storia di Nick ci ricorda ciò che diventa possibile quando la dedizione incontra l’immaginazione — quando la musica va oltre l’esibizione e diventa uno spazio di connessione, guarigione e scoperta. Il suo percorso lo ha portato attraverso tradizioni, innovazioni e trasformazioni profondamente personali, sempre con la volontà di evolversi ed esplorare nuovi regni del suono.
Il suo cammino si sta ancora dispiegando, e siamo onorati di condividerne una parte — ed entusiasti di vedere dove lo porterà il suo prossimo capitolo.