世界の舞台から深くパーソナルな音の旅路まで、記念すべき初のFeatured Artistは、音楽、旅、そして再創造に彩られた人生を歩んできました。
Nick Ableはニューカッスルで育ち、ギターと遠い舞台に憧れていました。そうした夢はやがて彼をインドでの学びへと導き、国際的な演奏活動へ、そしてクラシック、エレクトロニック、瞑想的なサウンドスケープまで、多彩な音楽の世界を探求することにつながっていきました。
そして今、20年以上にわたる創造的な探求を経て、Nickはつながりやウェルネス、そして音が持つ癒やしの可能性に根ざした新たなアーティストとしてのアイデンティティを築いています。
このインタビューでは、これまでの歩みや彼を形づくった人々、そしてこれから実現していく刺激的なプロジェクトについて語っています。
10代の頃、スティングとマーク・ノップラーに音楽の才能を称賛されたそうですが、その瞬間はあなたの自信やキャリアの進路にどのような影響を与えましたか？
私は音楽に夢中で、それ以外のことはほとんど何も知りませんでしたし、自分にとってはそれが普通のことでした。アメリカ・ボストンのバークリー音楽大学に通うための資金を集めようと、自分の演奏を録音したテープを送っていたのですが、送った相手のうち2人が、同じく私の地元ニューカッスル出身のミュージシャンであるStingとMark Knopflerでした。2人それぞれから郵便で直筆の返事が届いたときは本当に驚きましたし、その内容を読んで自分の演奏を褒めてもらえて、とても嬉しかったです。でも当時の私は音楽と自分の進む道に完全に集中していて、そのことをあまり深く考えてはいませんでした。その手紙は大切に保管していて、今でも持っています。今振り返ると、あの出来事は、自分が音楽にかけていた時間や努力が無駄ではなかったのだと確信するうえで、きっと大きな意味があったのだと思います。でも、そうですね、本当にそれについてじっくり考えることはほとんどありませんでした。というのも、私は練習と学びに取り憑かれていて、それが自分の100%の焦点であり、24時間365日、頭の中を占めていたからです。
シタールに最初に惹かれたきっかけは何でしたか。また、パंडितラヴィ・シャンカルのもとで10年間学ぶ中で、最も深く心に残った教えは何でしたか？
地元のバンドでベースを弾いていた友人がシタールとRavi ShankarのCDを何枚か持っていて、そのとき初めてそのジャンルの音楽に本格的に触れました。私はCDを何枚か借りてインド古典音楽を聴き始めましたが、John McLaughlinやShaktiを通して、実はそれまでも少しは耳にしていたんです。友人の寝室で彼のシタールを弾いて、いくつか音を出せたのを覚えています。そして私はこの素晴らしい楽器にすっかり魅了されました。私はいつも音楽界の偉大な巨匠たちに惹かれていて、その時点からインド古典音楽と偉大な巨匠Ravi Shankarについて、読み、聴き、学び始めました。
ひとつだけ特別に深い教訓として挙げられるものは、実際ありません。あのレベルの名高い音楽家であり芸術家のそばにいると、すべてが学びになります。十分に注意深く観察していれば、あらゆることの中に教訓が見えてきます――そして率直に言って、そのどれもが深いものです。本当にそういうものなんです。
カーネギー・ホールからロイヤル・アルバート・ホールまで、伝説的な会場で演奏してこられましたが、あなた個人にとって最も大きな印象を残した公演はどれですか？
偉大な師匠に付き添ったコンサートは、一つひとつが言葉では表せないほど別次元の体験でした。でも、その中でも私にとって最も印象深いのは、パリ・フィルハーモニーで行われたラヴィ・シャンカールとフィリップ・グラスのアルバムPassagesの初の全曲演奏です。Passagesは、私が初めて買ったラヴィ・シャンカールのCDでもあり、10代の頃に何度も何度も聴いていました。間違いなく人生の中でも現実とは思えないような瞬間の一つで、このコンサートは私たち全員をただただ圧倒しました。本当に、目の当たりにし、その一部となることができたものの中で最も信じがたい体験の一つでした。人生には言葉にできない出来事がありますが、これはまさにその一つでした。
動画
あなたの活動はテレビ、ビデオゲーム、マルチメディア、映画にわたります。これらの媒体で作曲することは、ステージで生演奏することとどう違いますか？
これまで私がしてきた演奏の95パーセントは、師匠やAnoushkaの伴奏で、基本的にはとても裏方の役割でした。しかも、すべてが非常によく整理され、きちんと組み立てられているので、一度要領をつかめばかなりシンプルです。ルールに従い、求められていることをやればいいのです。家でLogicやAbletonの真っ白な画面の前に向かって作業するのは、それとはまったく違います。部屋でひとり、コンピューターの前に座っているので、かなり怖いんです。導いてくれる人は誰もおらず、完全にむき出しの状態で、すべてを自分ひとりで形にしなければなりません。隠れる場所はどこにもなく、結果は100%自分次第なんです！
伝統的なシタール、エレクトロニカ、現代音楽をつなぎ合わせ、ツアーでは「Nick Able-ton」というあだ名まで付いたそうですね。あなたは、自分の音楽の中でこうした異なる世界をどう融合させていますか？
自分が感じることと聴こえるものに従っていて、ジャンルだとかあれこれをあまり意識しません。理論的には、どのスケールやモードがどんな響きを生むかは分かっていますし、コードやハーモニーについても同じです。でも、そういうことを深く考え込みすぎることはありません。いったん何かを選ぶと、それは固定される傾向があって、それはインド古典音楽やラーガの形式で受けた訓練によるものです。そこから先は、自分が表現したいことを音楽の中でどう描けるかに集中しています。感じたままに弾き、聴こえるものに従うだけです。
頭の中にアイデアがあるとき、それはたいてい音楽から受け取る特定の感覚で、その感覚がどこへ進むかを決めます。自分は、その曲がどんな感触になるのかを探っているんです――感情や音、その曲が自分自身や聴き手にどう感じさせるかという意味で。だから、それは自分の音楽的なパレットやセットアップ、機材、エフェクト、楽器にあるあらゆるものになり得て、それらはみな異なる形で一緒に機能しています。
Kompose Audioの楽器をいくつか試されたことがあると思いますが、それらはあなたの創作プロセスにどのようにインスピレーションを与えたり、支えたりしていますか？
私は長尺のアンビエントや、変化し続ける瞑想的な音楽の大ファンです。何時間も聴いていて、その上で即興できるような音楽を自分でも作りたいと思っていました。数年前に音楽制作へ戻ったとき、最後に深く関わっていた頃から本当にいろいろ大きく変わっていて――それはもう10年以上も前のことでした！ 始めるにあたっては、すぐに飛び込めて、使えて、比較的短時間で形にできるものが欲しかったんです。
すでに仕事の予定も入っていました――瞑想やサウンドバス系のセッション向けのイベントで、その上にメロディックな楽器演奏を重ねる内容です。何年も使ってきたLogicやAbletonにも、また学び直すことがたくさんあり、プログラムには新しいツールも数多く追加されていました。なので、少し学習曲線があり、しかも90分のセットを期限までに用意しなければなりませんでした。
私がKompose Audioを選んだのは、まず楽器のサウンドが本当に信じられないほど素晴らしく、ユーザーフレンドリーで使いやすい一方で、しっかり細かく調整できる余地もあるからです――しかも、理解するのに1か月かかるようなユーザーインターフェースではありません。さらに、永続的に変化し続けるテクスチャにも強く惹かれました。というのも、私は単純なループを作りたかったのではなく、音楽が変化し、呼吸し、まったく同じことを繰り返さないでほしかったからです。
最後に、予定していたサウンドバスイベントのために書いていた音楽は、すべて特定の周波数に合わせる予定で、最初のものは432 Hzでした。Kompose Audioの楽器のいくつかがすでにこの周波数にチューニングされていて、Ableton内で手動リチューニングを掘り下げて行う必要がなかったことが、世の中にある数え切れないほどのバーチャル楽器の中で、皆さんを一気に最有力候補に押し上げました。ここ1年、私の制作ではほとんどそれらだけを使っています。
Having worked in online music education for over a decade, where do you see the future of digital music learning heading?
すべてはメタバースへと移行していくでしょう。数年前、ロンドンで英国におけるメタバース開発の中枢を担う素晴らしいチームとお会いする機会に恵まれました。技術が一般の人々にもより広く利用可能になるにつれて、今後数年であらゆるものが進化し、この種のプラットフォームへ移っていくと思います。
何年もの瞑想と深い周波数ワークを経て、今では音によるヒーリングを音楽に取り入れているのですね。今、作りたい音楽の方向性にはどんな影響がありますか？
これは、この4〜5年の間で私の人生に最も大きな影響を与えてきたものです。私は数年のあいだとても深い闇の中にいて、そこから抜け出す助けになった一番大きなものが周波数音楽でした。自分を癒し、心の平穏を見つける方法を必死に探している中で出会ったのです。それは本当に、最も深い形で私の人生を変え、あっという間に毎日の習慣になりました。
私はこの音楽と、それが自分に与えた影響にとても強く心を動かされ、そこからサウンドバス、クリスタル・アルケミー、チベタンボウル、ゴング、そしてサウンドヒーリングの世界へと導かれました。リトリートにも参加し、定期的にサウンドバスに通うようになり、聴いている音の上に重なるように、自分の頭の中でメロディーが聴こえ始めました。それがやがて、自分でもこの音楽を作りたいという思いへと発展していきました――ただし、ボウルやゴングを使うのではなく、自分自身の楽器、シンセシス、音楽制作、そして没入型オーディオを使って。そして私はまさに、その通りに実行したのです。
これを始めてもう2年になりますが、本格的に形になったのはここ12か月ほどです。地元のヨガスタジオや、ウェルネス向けのさまざまな会場で何度かパフォーマンスも行ってきました。これをするのが本当に大好きで、音楽と創作への情熱に再び火を灯してくれました。そしてそれは、私がGuruと過ごした年月にもつながっています。彼は実際、シタールを440 Hzではなく438 Hzに調律していて、私はその理由をずっとよく理解していませんでした。周波数音楽に出会ったことで、そのすべてを学ぶことができ、それは長年続けてきたインド古典音楽の経験と、まったく新しい形でつながる素晴らしい架け橋になりました。これは私の人生を完全に変え、音楽についての考え方や聴こえ方までも変えてしまったのです。
もし誰かのアーティストとコラボできるとしたら、過去・現在を問わず誰と組みたいですか？また、どんな音楽を一緒に作ると思いますか？
一緒に仕事をしてみたいと思える大好きなアーティストはたくさんいますが、やはり自分がやっていることに合う相手でないといけないと思います。Steve Vai や Pat Metheny は間違いなくそう言いたいほど、私にとって特に大きな影響を与えてくれた二人ですが、相性としては合わない気がします。なので、Jon Hopkins を挙げます。彼の音楽は私にとってものすごく大きな影響源で、本当に彼の作品が大好きなんです。よく彼の音楽を聴きながら、自分のシタールやギターで加えられそうなメロディーが頭の中に浮かんできます。
彼が生み出す没入感のある360オーディオにも惹かれます。私自身もこのフォーマットを多くの作品で使っているからです。空間の中で音を動かし、部屋のさまざまな場所から音が聴こえてくるようにするのが好きなんです。Jon はその表現を極めていて、彼の音楽には完全に引き込まれてしまいます。あの世界の中で演奏し、彼の表現の中に自分のサウンドを溶け込ませられたらと思います。
2026年にリリース予定の初のソロアルバムについて、リスナーは何を期待できますか？また、それはあなたの音楽的進化の次の章をどのように反映していますか？
コンセプトは、文字どおり本当のソロ・アルバムを作ること――自分ひとりだけで。ここ12か月ほどサウンドバスのイベントで書き、演奏してきた音楽が大きく発展してきたので、それを録音してリリースしたいと思っています。計画としては、“ライブラウンジ”スタイルのレコーディングで、すべてをスタジオでライブ収録します。編集は一切なし、何も加えない――その場で完全に即興で書かれ、創り出された音楽を、ありのままのライブ・パフォーマンスとして収めるつもりです。
全体は4つの主要なセクション、あるいは楽章で構成され、それぞれに独自のモチーフ、テーマ、編成、そして多くの即興が盛り込まれています。これを完成させてリリースするのが本当に楽しみです。インド古典音楽、中東音楽、アンビエント・エレクトロニック、周波数ベースの音楽、ジャズ、そしてフュージョンの即興性から着想を得ており、音とエーテルをめぐる旅へと聴き手をいざないます。
Nickの物語は、献身と想像力が出会うときに何が可能になるのかを私たちに思い出させてくれます。音楽が演奏の枠を超え、つながり、癒し、そして発見のための場となるのです。彼の歩みは、伝統、革新、そして深く個人的な変容を経て続いてきました。そこには常に、進化し、新たな音の領域を探求しようとする意志がありました。
彼の道のりは今なお続いており、その一部を私たちが共有できることを光栄に思います。そして、彼の次の章がどこへ導いていくのかを楽しみにしています。