Des scènes internationales aux voyages sonores profondément personnels, notre tout premier artiste à l'honneur a vécu une vie imprégnée de musique, de voyages et de réinvention.
Nick Able a grandi à Newcastle en rêvant de guitares et de scènes lointaines — des rêves qui l’ont finalement conduit à étudier en Inde, à se produire à l’international et à explorer divers horizons du monde de la musique, du classique à l’électronique en passant par des paysages sonores méditatifs.
Aujourd’hui, après plus de vingt ans d’exploration créative, Nick façonne une nouvelle identité artistique ancrée dans la connexion, le bien-être et le potentiel thérapeutique du son.
Dans cette interview, il se confie sur son parcours jusqu’à présent, les personnes qui l’ont façonné et les projets passionnants qu’il s’apprête à concrétiser.
Vous avez été félicité pour votre talent musical à l’adolescence par Sting et Mark Knopfler. Comment ce moment a-t-il façonné votre confiance et votre parcours professionnel ?
J’étais complètement absorbée par la musique ; je ne connaissais pas vraiment autre chose, et pour moi, c’était normal. J’avais envoyé des cassettes de mon jeu pour essayer de réunir de l’argent afin d’intégrer le Berklee College of Music à Boston, aux États-Unis, et deux des personnes à qui je les avais envoyées étaient Sting et Mark Knopfler, puisqu’ils étaient tous les deux des musiciens locaux de ma ville natale, Newcastle. Quand j’ai reçu une réponse écrite de chacun d’eux par la poste, c’était incroyable, et puis quand j’ai lu leurs réponses et les éloges sur mon jeu, c’était formidable — mais j’étais tellement concentrée sur la musique et sur mon parcours que je n’y ai pas vraiment beaucoup pensé à l’époque. J’ai gardé ces lettres et je les ai encore aujourd’hui, et je suppose qu’avec le recul, le fait que cela soit arrivé a certainement dû jouer un grand rôle en me confirmant que je ne gaspillais pas mon temps ni mes efforts dans la musique. Mais oui, je n’y ai pas beaucoup réfléchi du tout, car j’étais tellement obsédée par la pratique et l’apprentissage, qui étaient au centre de toute mon attention et occupaient mon esprit 24 h/24, 7 j/7.
Qu'est-ce qui vous a d'abord attiré vers le sitar, et quelle est la leçon la plus profonde que vous avez apprise au cours de votre décennie de formation auprès de Pandit Ravi Shankar ?
Un ami à moi qui jouait de la basse dans un groupe local avait un sitar et quelques CD de Ravi Shankar, et c’était la première fois que j’étais vraiment exposé à ce genre de musique. Je lui avais emprunté quelques CD et j’ai commencé à écouter de la musique classique indienne, que j’avais déjà en quelque sorte découverte via John McLaughlin et Shakti. Je me souviens avoir joué du sitar de mon ami dans sa chambre et avoir réussi à en tirer quelques notes, et j’étais totalement émerveillé par cet instrument incroyable. J’ai toujours été attiré par les grands maîtres de la musique, et à partir de ce moment-là, j’ai commencé à lire, écouter et apprendre tout ce que je pouvais sur la musique classique indienne et le grand Maestro Ravi Shankar.
Il n’y a vraiment pas une seule leçon profonde que je pourrais isoler. Quand on est en présence d’un musicien et artiste de renom de ce niveau, tout est une leçon. À condition d’être assez observateur, on voit des leçons en toute chose — et très honnêtement, elles sont toutes profondes. C’est vraiment comme ça.
Vous vous êtes produit dans des salles légendaires, de Carnegie Hall au Royal Albert Hall. Quelle prestation vous a le plus marqué personnellement ?
Chaque concert au cours duquel j’ai accompagné mon grand maître a été une expérience d’un autre niveau, que je ne peux pas mettre en mots. Mais le concert qui m’a le plus marqué a été la première interprétation intégrale de l’album Passages de Ravi Shankar et Philip Glass à la Philharmonie de Paris. Passages a aussi été le premier CD de Ravi Shankar que j’ai acheté, et je l’avais écouté tant de fois pendant mon adolescence. C’était assurément l’un de ces moments surréalistes dans la vie, et ce concert nous a tous laissés émerveillés. C’était vraiment l’une des choses les plus incroyables à voir et à vivre. Certains événements dans la vie sont indescriptibles, et celui-ci en faisait définitivement partie.
Vidéo
Votre travail couvre la télévision, les jeux vidéo, le multimédia et le cinéma. En quoi la composition pour ces supports diffère-t-elle du fait de jouer en direct sur scène ?
Quatre-vingt-quinze pour cent de mes prestations ont consisté à accompagner mon Guru ou Anoushka, donc à rester très en retrait, et tout est si bien organisé et préparé qu’une fois qu’on connaît les ficelles, c’est assez simple — il suffit de suivre les règles et de faire ce qu’on attend de vous. Travailler chez soi devant un écran vide sur Logic ou Ableton, c’est totalement différent ; c’est assez effrayant, car on est seul dans une pièce, assis devant un ordinateur. Il n’y a personne pour vous guider, vous êtes totalement à découvert, et vous devez tout livrer vous-même. Impossible de se cacher, et le résultat repose à 100 % sur vous !
Vous avez fait le lien entre le sitar traditionnel, l’electronica et la composition moderne, au point de valoir le surnom de « Nick Able-ton » en tournée. Comment abordez-vous le mélange de ces univers dans votre musique ?
Je me fie à ce que je ressens et à ce que j’entends, et je ne réfléchis pas vraiment aux genres ou à telle ou telle chose. En théorie, je sais quelle gamme ou quel mode donnera une certaine sonorité, et c’est pareil pour les accords et l’harmonie, mais je ne m’y attarde pas trop. Une fois que j’ai choisi quelque chose, cela a tendance à rester fixé, ce qui vient de ma formation en musique classique indienne et des formes de raga. À partir de là, je me concentre sur la manière dont je peux exprimer dans la musique ce que je veux. Je joue simplement ce que je ressens et je me fie à ce que j’entends.
Si j’ai une idée en tête, c’est généralement une sensation particulière que la musique m’inspire, et c’est cela qui dicte la direction que je prends. Je cherche à savoir ce que le morceau va faire ressentir — en termes d’émotions, de sons, et de la façon dont il me fera sentir aussi bien que l’auditeur. Cela peut donc être n’importe quoi dans ma palette musicale, ma configuration, mon équipement, mes effets et mes instruments, et tout cela fonctionne ensemble de différentes manières.
Vous avez eu l’occasion d’essayer certains instruments de Kompose Audio. Comment inspirent-ils ou soutiennent-ils votre processus créatif ?
Je suis un immense fan de musique ambient longue durée et de musique méditative évolutive. J’en écoute pendant des heures, et je voulais commencer à créer ce genre de musique pour improviser par-dessus. Quand je me suis remis à la production musicale il y a quelques années, les choses avaient vraiment beaucoup changé depuis la dernière fois que j’avais baigné là-dedans — c’était il y a plus de 10 ans ! Pour commencer, je voulais quelque chose dans lequel je puisse plonger, que je puisse utiliser, et avec lequel je puisse lancer quelque chose assez rapidement.
J’avais déjà des dates prévues — des événements de méditation et des séances de type bain sonore, mais avec une instrumentation mélodique jouée par-dessus. Il y avait tellement de choses à réapprendre et tellement de nouveaux outils dans les logiciels que j’utilisais depuis des années, Logic et Ableton. J’ai donc eu une certaine courbe d’apprentissage et une échéance pour préparer un set de 90 minutes.
J’ai choisi Kompose Audio parce que vos instruments ont un son absolument incroyable, qu’ils sont conviviaux et faciles à utiliser, tout en offrant beaucoup de possibilités de réglage — sans une interface utilisateur qui demande un mois pour être comprise. Les textures éternelles et évolutives m’ont aussi vraiment séduit, parce que je ne voulais pas créer de simples boucles ; je voulais que la musique évolue, respire et ne se répète pas du tout.
Enfin, la musique que j’écrivais pour les événements de bain sonore prévus devait toute être dans une fréquence particulière, et la première était en 432 Hz. Le fait que certains de vos instruments soient déjà accordés ainsi, et que je n’aie pas eu besoin de me plonger dans un réaccordage manuel dans Ableton, vous a fait passer directement en tête de la liste parmi les innombrables instruments virtuels disponibles. Je les ai utilisés presque exclusivement pour mon travail au cours de l’année écoulée.
Having worked in online music education for over a decade, where do you see the future of digital music learning heading?
Tout ira dans le métavers. J’ai eu la chance de rencontrer, il y a quelques années à Londres, une excellente équipe très impliquée dans le développement du métavers au Royaume-Uni. Je pense que tout va évoluer et se transférer vers ce type de plateforme dans les années à venir, à mesure que la technologie deviendra plus largement accessible au grand public.
Après des années de méditation et de travail approfondi sur les fréquences, vous intégrez désormais la guérison par le son à votre musique. Comment cela influence-t-il le type de musique que vous souhaitez créer maintenant ?
Cela a été l’influence numéro un dans ma vie au cours des 4–5 dernières années. J’étais dans une période très sombre pendant quelques années, et la principale chose qui m’a vraiment aidé à m’en sortir a été la musique de fréquences, que j’ai découverte dans un moment de désespoir en cherchant des moyens de me guérir et de trouver la paix. Cela a véritablement changé ma vie de la manière la plus profonde, et c’est très vite devenu un rituel quotidien pour moi.
J’ai été tellement inspiré(e) par cette musique et par l’impact qu’elle a eu sur moi que cela m’a mené à la découverte des bains sonores, de l’alchimie des cristaux, des bols tibétains, des gongs et du soin par le son. Je suis parti(e) en retraite, j’ai assisté régulièrement à des bains sonores, et j’ai commencé à entendre des mélodies dans mon esprit par-dessus les sons que j’entendais. Cela a évolué vers l’envie de créer moi-même cette musique — mais non pas avec des bols et des gongs ; plutôt avec mes propres instruments, la synthèse, la production musicale et l’audio immersif. Et c’est exactement ce que j’ai fait.
Je fais cela depuis deux ans maintenant, mais je l’ai vraiment développé au cours des 12 derniers mois, après avoir donné plusieurs performances dans un studio de yoga local et dans d’autres lieux dédiés au bien-être. J’adore faire cela — cela a véritablement ravivé ma passion pour la musique et la création — et cela fait même écho aux années que j’ai passées avec mon Guru. Il accordait en fait son sitar à 438 Hz, et non à 440 Hz, et je n’ai jamais vraiment compris pourquoi. Découvrir la musique de fréquences m’a vraiment permis de comprendre tout cela, et c’est devenu un lien incroyable avec ce que je faisais déjà depuis tant d’années avec la musique classique indienne, simplement d’une toute nouvelle manière. Cela a complètement changé ma vie, ainsi que ma manière de penser et d’entendre la musique.
Si vous pouviez collaborer avec n’importe quel artiste, passé ou présent, qui choisiriez-vous, et quel genre de musique imagineriez-vous créer ensemble ?
Il y a tellement d’artistes que j’aime avec qui je pourrais m’imaginer travailler, mais j’imagine qu’il faudrait que cela corresponde à ce que je fais. Même si j’ai très envie de dire Steve Vai ou Pat Metheny, qui sont deux de mes plus grandes influences, je ne pense pas que ce serait adapté — alors je vais dire Jon Hopkins. Sa musique a une énorme influence sur moi, et j’adore tout simplement son travail. Je me surprends souvent à l’écouter et à entendre dans ma tête des mélodies que je pourrais ajouter avec mon sitar ou ma guitare.
L’audio immersif en 360 qu’il crée me parle aussi, car j’utilise ce format dans une grande partie de mon propre travail. J’adore faire voyager mes sons dans l’espace et faire en sorte que des éléments viennent de différentes parties de la pièce. Jon a poussé son art à un niveau incroyable, et je me perds complètement dans sa musique. J’adorerais jouer dans cet univers et intégrer mon son à ce qu’il fait.
En pensant à votre premier album solo en 2026, à quoi les auditeurs peuvent-ils s’attendre, et comment cela reflète-t-il le prochain chapitre de votre évolution musicale ?
Le concept est de faire véritablement un album solo — juste moi. La musique que j’ai écrite et interprétée au cours des 12 derniers mois lors d’événements de bain sonore a tellement évolué que je veux l’enregistrer et la sortir. Le projet est de faire un enregistrement dans un style « live lounge », entièrement réalisé en direct en studio. Aucun montage, rien du tout — juste une véritable performance live de musique écrite et créée de façon totalement spontanée sur le moment.
Il comporte quatre sections principales, ou mouvements, chacune avec ses propres motifs, thèmes, instrumentations, et beaucoup d’improvisation. J’ai vraiment hâte de le terminer et de le sortir. Il puise dans la musique classique indienne, moyen-orientale, l’électronique ambient, la musique basée sur les fréquences, le jazz et l’improvisation fusion, emmenant les auditeurs dans un voyage à travers le son et l’éther.
L’histoire de Nick nous rappelle ce qui devient possible lorsque l’engagement rencontre l’imagination — lorsque la musique dépasse la performance pour devenir un espace de connexion, de guérison et de découverte. Son parcours l’a mené à travers des traditions, des innovations et des transformations profondément personnelles, toujours avec la volonté d’évoluer et d’explorer de nouveaux univers sonores.
Son chemin continue de se déployer, et nous sommes honorés d’en partager une partie — et impatients de voir où le mènera son prochain chapitre.